In mancherlei Hinsicht ist Six Feet Under von HBO der kleine Bruder der herausragenden Serie Die Sopranos: es ist frecher, weniger eindeutig, gewagter, und ein wenig punkig. Dennoch verdient die Serie über das in Südkalifornien befindliche Bestattungsunternehmen 'Fisher and Sons' einen Platz im Pantheon der bedeutendsten Fernsehserien. Die erste Staffel stellte die Hauptcharaktere vor: der schmallippige Bruder David (Michael C. Hall), der sein Coming-Out erlebt, die emotional wirre Mutter Ruth (Frances Conroy) und Brenda (Rachel Griffiths), die komplizierteste Freundin der Welt. In Staffel 2 entwickelt sich langsam der unauffällige Hauptdarsteller Peter Krause zur treibenden Kraft. Krause (Sports Night), der Teil jener langen Reihe von gut aussehenden Schauspielern ist, die nie Respekt erfahren, weil alles bei ihnen so leicht wirkt, findet als Nate, der verlorene Sohn, die perfekte Mischung aus Optimismus und wundervoll bittersüßem Zorn. Als sich die Beziehungen verändern, ist das Happy End der ersten Staffel schnell vergessen: das Unternehmen liegt noch immer unter Beschuss des bösen Konglomerats Kroehner, und eine liebliche Traumsequenz lässt auch nicht lange auf sich warten. Wie bei der ersten Staffel überlässt Alan Ball, der Schöpfer der Serie, vielen anderen Drehbuch und Regie, aber alles trägt seine Handschrift. Das exzentrische Verhalten der Charaktere wird immer geformt, entsteht nie plötzlich. Wie bei Tochter Claire (Lauren Ambrose), die sich von ihrem üblen Freund trennt, nur um auf dem Weg zu ihrem eigenen Lebensrhythmus noch komplexere Beziehungen zu erfahren. [+]

Zypern, 1947: Die britische Marine bringt ein jüdisches Flüchtlingsschiff auf dem Weg nach Palästina auf. Ari Ben Canaan (Paul Newman), einem jüdischen Untergrundkämpfer der Hagana, gelingt es, 600 Flüchtlinge an Bord eines gekaperten Schiffes, der Exodus, zu bringen. Als die Briten das Schiff nicht ziehen lassen wollen, droht Ari, das Schiff mit allen Menschen an Bord in die Luft zu sprengen, um den Weg nach Palästina frei zu pressen. Die amerikanische Krankenschwester Kitty Fremont (Oscar-Preisträgerin Eva Marie Saint, Die Faust im Nacken) wird in das Schicksal der jüdischen Flüchtlinge verwickelt, als sie versucht, das Mädchen Karen zu retten. Basierend auf Leon Uris' internationalem Bestseller schuf der österreichische Hollywood-Emigrant Otto Preminger (Fluss ohne Wiederkehr) ein mitreißendes Drama über die Gründung des Staates Israel. Die zweite Hälfte des über dreistündigen monumentalen Epos zeigt die verzweifelten Anstrengungen und die gewaltsamen Auseinandersetzungen zwischen Juden und Arabern im Kampf um Palästina. Anhand der persönlichen Schicksale der Hauptcharaktere erzählt der Film packend und dramatisch zugleich die Geschichte der israelischen Staatsgründung, ohne dabei jemals in trockenen Geschichtsunterricht zu verfallen. Der Zwist zwischen Aris Vater Barak und seinem Bruder Akiva, der für die Terrororganisation Irgun kämpft, die zum Scheitern verurteilte Liebesgeschichte zwischen Ben und Kitty und die zarten freundschaftlichen Bande zwischen Karen und Dov Landau (Sal Mineo) stehen im Zentrum der Handlung und lassen die Ereignisse so real wirken, als lägen sie nicht schon über ein halbes Jahrhundert in der Vergangenheit. Der Soundtrack von Ernest Gold wurde 1961 mit dem Oscar ausgezeichnet. Weitere Nominierungen gab es für Sal Mineo (. [+]

Transporter 2 weiß, was sein Publikum will und liefert das auch - ebenso wie der Titelheld. Dies ist ein Film, der nicht nur einen Kampfchoreographen, sondern auch einen Autochoreographen beschäftigt - ein Film, in dem ein weiblicher Auftragskiller lediglich einen BH und Höschen trägt, da wahrscheinlich alles andere zu hinderlich wäre. Ein Film, in dem das Durchbrechen einer Betonmauer und das Überfliegen einer vierspurigen Straße nicht einen Kratzer auf der Motorhaube des Wagens des Helden hinterlässt; ein Film, in dem ein betrunkenes Supermodel nach der der charmanten Abweisung ihrer Avancen durch den Helden sagt: "Danke für den Respekt - das habe ich am meisten gebraucht. " Um es kurz zu machen: ein Film für jene, die den ersten Transporter mochten, ihn aber zu zahm fanden. Jason Statham (The Italian Job) spielt erneut die Rolle von Frank Martin, einem vielleicht ein wenig zu gewissenhaften Chauffeur, der Knochen bricht, falls seine Pflichten behindert werden. Die schiere Freude, mit der bei Transporter 2 Logik, Glaubwürdigkeit und die Gesetze der Physik außer Kraft gesetzt werden, wirkt ansteckend. Wenn die Sequenz, in der Frank sein Auto umdreht, um dadurch die Bombe am Fahrgestell zu entfernen, einen nicht zum Kichern ansteckt, na ja. , dann schaut man sich gerade den falschen Film an. [+]

Anchorman - Legende v. Ron Burgundy.

Ein Kopfschuss macht dich zum besseren Menschen: In diesem Mike-Nicholas-Film von 1991 spielt Harrison Ford einen kaltschnäuzigen Anwalt, der bei einem Überfall von einer Kugel in den Kopf getroffen wird. Der Film lenkt die Aufmerksamkeit weniger auf die Traumata der Rekonvaleszenz als vielmehr auf die Persönlichkeitsveränderungen bei Ford nach dem Unfall. Ford kann dabei seine ganze Gefühlspalette von Arroganz bis zu jungenhaftem Charme ausspielen und kreiert einen komplett neuen Charakter, nachdem er ohne jedes Gedächtnis aus dem Koma erwacht. Dennoch ist dies ein wenig bemerkenswerter Film von Nichols, dessen Gefühlsduselei den Blick auf jegliche tiefere Erkenntnis verstellt. -Tom Keogh.

Einige fanden ihn ideal zum Eindösen, andere haben sich tränenüberströmt an ihr Taschentuch geklammert. Aber davon abgesehen war die Entscheidung für Clint Eastwood als Regisseur und Hauptdarsteller dieser üppigen Verfilmung von Robert James Wallers außergewöhnlich erfolgreichem Bestseller in jeden Fall erst einmal eine ungewöhnliche und (wie sich später herausgestellt hat) doch scharfsichtige Wahl. Seine Partnerin ist Meryl Streep. Sie spielt Francesca, die einsame Frau eines Farmers in Iowa, die sich augenblicklich zu Robert (Clint Eastwood), einem für „National Geographic" arbeitenden Fotographen, hingezogen fühlt. Er ist in der Gegend, um die Brücken entlang von Iowas ländlichen Straßen zu fotographieren. Die beiden verlieben sich, während Francescas Mann und ihre Kinder bei einer großen, mehrtägigen Viehausstellung sind. Die Leidenschaft der Geschichte und ihre die Zeit überdauernde Anziehungskraft erwächst aus Francescas und Roberts gemeinsamer Entscheidung, sich nach ein paar Tagen einer sehr innigen Verbindung für immer zu trennen. Die Brücken am Fluss ist ein hervorragend gespielter Film, der die ruhigen, würdevollen Momente einer zärtlichen Offenbarung betont und sich so zu einem Crescendo mächtiger und widerstrebender Empfindungen steigert. Wie David Leans Begegnung, mit dem ihn einige deutliche Gemeinsamkeiten verbinden, ist auch Eastwoods Film dazu bestimmt, eine der klassischen Liebesgeschichten des Kinos zu werden. -Jeff Shannon Anders als die bisher nur erhältliche Videoversion präsentiert die DVD Eastwoods beeindruckenden Liebesfilm in seinem kompletten Kinoformat, so dass man nun Jack N. [+]

In Barbra Streisands selbstverliebtem Remake eines französischen Films aus dem Jahre 1958 spielt Jeff Bridges einen College-Professor, der die Politik der Sexualität satt hat. Er arrangiert deshalb mit seiner farblosen Kollegin (Streisand), dass sie eine kameradschaftliche Beziehung miteinander eingehen, ohne auch nur daran zu denken, miteinander ins Bett zu gehen. Sie willigt ein, wird aber sehr bald frustriert, da die Vereinbarung ihren unerfüllten Wunsch nach einer richtigen Beziehung mit allem Drum und Dran nur noch bestärkt. Mimi Rogers ist mit von der Partie als Barbras ganz und gar nicht farbloser Schwester, und Lauren Bacall bekam sogar eine Oscar-Nominierung für ihre Rolle als die egoistische Mutter der Heldin. Der Film ist in Ordnung, er wird aber zu einem Eitelkeitswerk für die Streisand (die auch Regie führte). Ihre Figur blickt ständig auf ihr Spiegelbild und bekommt mindestens ein dutzend Mal gesagt - auf die eine oder andere Weise - wie attraktiv sie ist. Man möchte ausrufen: Es ist gut, wir haben es verstanden - du bist schön! -Tom Keogh Die DVD-Veröffentlichung bietet die Breitwandversion sowie einen Dolby-Digital-Soundtrack. Neben der deutschen kann man auch die englische, französische, spanische oder italienische Sprachfassung wählen oder eine der zwanzig Untertitelungen. -Tom Keogh.

Es ist nicht möglich, diesen Film, der auf dem gleichnamigen, vorzüglichen Roman von William Wharton basiert, auf ein Thema festzulegen. Birdy ist ein Film über Freundschaft, Krieg und, wie der Titel schon sagt, Vögel. Den Rahmen der Geschichte bildet der Versuch eines im Vietnam-Krieg schwerst verwundeten Soldaten (Nicolas Cage) in die Gedankenwelt seines besten Freundes Birdy (Matthew Modine) einzudringen, der in einer Nervenheilanstalt lebt, seit er im Krieg angeblich den Verstand verloren hat. Während er dies versucht, denkt er zurück an ihre gemeinsame Schulzeit, während der Birdy, ein Liebhaber von Kanarienvögeln, den Ruf hatte, ein Exzentriker zu sein, der es trotzdem verstand, sich mit seiner eigenwilligen Art Freunde zu machen. Der von Alan Parker (Evita, Die Asche meiner Mutter) inszenierte Film funktioniert am besten, wenn man ihn als eine Geschichte über das Erwachsenwerden betrachtet, denn Parker verzichtet darauf, die bizarren Welten von Birdy, die im Roman beschrieben werden - Fantasie-Welten, in denen er mit seinen über alles geliebten Vögeln lebt und die er daheim, im Schlafzimmer seiner Eltern, zu realisieren versucht - darzustellen. Dafür ist Matthew Modine in der Rolle eines jungen Mannes, der der diesseitigen Welt entronnen ist und in seinem eigenen, kleinen Universum lebt, großartig. Großartig, wie der Soundtrack von Peter Gabriel. Dieser ist für diesen Film ein Experiment eingegangen: Er hat alte Stücke, die er in den 70er Jahren geschrieben hat, teilweise neu, allerdings in anderen Tonarten, eingespielt oder mit Hilfe der seinerzeit noch in den Kinderschuhen steckenden digitalen oder herkömmlichen elektronischen Aufnahmetechniken verfremdet. Das Ergebnis ist alles andere als experimentell, es ist vielmehr ein Eindringen in neue Klangwelten, Welten, die ebenso faszinierend und fremd sind wie die, in denen Modine lebt! -Marshall Fine.

Drei attraktive Schwestern, drei ungewöhnliche Begabungen. Mit Charmed hat sich endlich eine der beliebtesten Fantasy-Serien auf den runden Silberlingen verewigt. Die Erfolgsstory übernatürlicher Fernsehserien scheint im Moment seinem Ende entgegenzusteuern. Ende der 90er Jahre jedoch hantierte jede dritte aus Amerika importierte Serie mit Dämonen, paranormalen Fähigkeiten oder sonstigen 'fantastischen' Inhalten. Eine nicht unwesentliche Rolle spielte dabei der Kabelsender WB-Network. Zunächst ging man mit dem Kauf der ersten Staffel von Buffy ein großes Risiko ein (später sollte man auch das Spin-Off Angel auf den Markt bringen), und nach dessen sensationellem Erfolg sowohl bei der Kritik als auch bei den Fans, legte man 1998 mit Charmed nach. Es geht um drei attraktive Schwestern, die nach dem Tod der geliebten Großmutter zueinander finden und feststellen müssen, dass sie neben dem ganzen Schotter auch noch ein paar seltsame Fähigkeiten von der alten Dame mitbekommen haben. Prue (Shannon Doherty), die Älteste, die im übrigen nach der dritten Staffel von ihrer Halbschwester Paige (Rose McGowan) ersetzt wurde, kann, ein echter Klassiker im übernatürlichen Gewerbe, mit schierer Willenskraft Gegenstände in Bewegung versetzen. Der Mittleren, Piper (Holly Marie Combs), haben die kreativen Köpfe der Show schon eine originellere Gabe mit auf den Weg gegeben: sie kann die Zeit anhalten und durch Berührung einzelne Personen aus dem erstarrten Raum-Zeit-Gefüge herauslösen, mit verwirrenden Konsequenzen. Schließlich das Nesthäckchen Phoebe (Alyssa Milano), mit dem Blick in die Zukunft und einem bemerkenswerten Körper ausgestattet. [+]

In der langen Reihe der Filme, in denen Jack the Ripper sein blutiges Unwesen treibt, nimmt Allen und Albert Hughes' From Hell eine ganz besondere Stellung ein. Als Vorlage diente den Hughes-Brüdern Alan Moores gleichnamige, von Eddie Campbell gezeichnete Graphic Novel - ein Comicroman, der so ziemlich alle Grenzen dieser Kunstform sprengt. Im Prinzip grenzte die Idee einer Filmadaption schon an Irrsinn, denn Moores ausuferndes Panorama der englischen Gesellschaft des ausgehenden 19. Jahrhunderts entzieht sich in seiner Detailbesessenheit und seinem Figurenreichtum einer Verfilmung. Aber From Hell ist auch alles andere als eine Verfilmung im klassischen Sinne des Wortes geworden. Den Hughes-Brüdern und ihren Drehbuchautoren Terry Hayes und Rafael Yglesias ist etwas viel Eindrucksvolleres gelungen: Sie haben Moores Studie über die viktorianische Welt in großes Hollywood-Kino verwandelt und sind doch den zentralen Ideen des britischen Comicautors treu geblieben. Der Tod seiner Frau und seines Kindes hat den Scotland-Yard-Inspektor Fred Abberline (Johnny Depp) endgültig aus der Bahn geworfen. Nun sucht er Vergessen in Drogen, doch was er im Opium- und Absinth-Rausch findet, sind Visionen von grausigen Verbrechen und düstere Vorahnungen, die ihn zu einem Besessenen werden lassen. Sie sind es auch, die eine Verbindung herstellen zwischen ihm und dem Prostituiertenmörder Jack the Ripper, dessen Taten das Slum-ähnliche Londoner Arbeiterviertel Whitechapel in Aufruhr versetzen. Bei seinen Nachforschungen begegnet Abberline der engelsgleichen irischen Prostituierten Mary Kelly (Heather Graham), die mit allen Opfern des brutalen Serienmörders befreundet war. [+]

Brian de Palmas Thriller aus dem Jahre 1998 ist ein gutes Beispiel für seinen opernhaften, überbordenden Inszenierungsstil (man denke an andere Filme dieser Art von ihm wie Mein Bruder Cain und Blow Out), bei dem das Aussehen einmal mehr über den Inhalt siegt. Im Mittelpunkt der Geschichte steht Nicolas Cage in der Rolle eines gaunerhaften Polizisten mit einer Vorliebe für große Boxkämpfe. Ausgerechnet bei einem Weltmeisterschaftskampf, den er besucht, wird der amerikanische Verteidigungsminister das Opfer eines Attentates. Dessen Assistent (Gary Sinise) ist ein alter Freund von Cage, eine Tatsache, die es ihm nicht einfacher macht, das Attentat auf Grund von sich widersprechenden Aussagen zu rekonstruieren und aufzuklären - was in dieser Form gewollte Ähnlichkeiten mit Akira Kurosawas Rashomon aufweist). Das an den Haaren herbeigezogene Szenario gibt de Palma die Möglichkeit, seinen opernhaften Inszenierungsstil bis zum Exzess ausleben zu dürfen (allein die fast 15-minütige Eingangssequenz ist atemberaubend - denn egal, wohin Cage geht, welche Etage er betritt, mit wem immer er spricht: Die gesamte Sequenz wird ohne einen einzigen sichtbaren Schnitt als ein einziger Kameraflug präsentiert). Wenn nun das Attentat rekonstruiert wird, erlebt der Zuschauer immer wieder Momente dieser Eingangssequenz - diesmal jedoch aus vollkommen anderen Perspektiven, die das Erinnern an das, was man gesehen hat, erschüttern. Die Geschichte verliert ihre Glaubwürdigkeit endgültig im letzten Akt des Filmes, obschon der Showdown unbestreitbar eindrucksvoll inszeniert ist. So siegt der Stil endgültig über den Inhalt. Doch Bitteschön: Es ist der Stil von Brian de Palma! -Tom Keogh Mord bei einem Boxkampf Vor 14. 000 Zuschauern wird der Ehrengast, der Verteidigungsminister, erschossen. [+]

Kevin Spacey (American Beauty) spielt David Gale, einen brillianten, wenn auch schwer trinkenden Aktivisten, der sich dem Kampf gegen die Todesstrafe verschrieben hat und wegen angeblicher Vergewaltigung und Mord im Gefängnis seine Hinrichtung erwartet. Da das Opfer des Verbrechens Gales enge Freundin und Mitstreiterin (Laura Linney, You Can Count On Me) ist, scheint für ihn der Fall klar: jemand hat ihn hereingelegt, um die gemeinsame Sache zu diskreditieren. Die engagierte Journalistin Bitsey Bloom (Kate Winslet, Titanic) macht sich auf die Suche zur Wahrheit, und mit ihr folgen wir der manchmal verworrenen Geschichte, die uns durch eine Reihe schockierender Wendungen führt. Dabei überzeugt das erdachte Überraschungsmoment nicht immer. Es werden zu viele "heiße" Themen angerissen und Spaceys Interpretation von Leidenschaft und Mitgefühl wirkt mitunter beängstigender, als die psychopathischen Rollen in Die üblichen Verdächtigen und Sieben, mit denen er bekannt wurde. -Bret Fetzer.

Um sein Standard-Prügelwerk Glimmer Man verkaufen zu können, brauchte Steven Seagal etwas Neues. Wie wäre es mit einem Partner, muss er sich gefragt haben, und so wurde ihm der Komiker Keenen Ivory Wayans zur Seite gestellt. Seagal spielt in diesem Film aus dem Jahre 1996 den Polizisten Jack Cole, der von New York nach Los Angeles versetzt wird und fortan an der Seite von Detective Jim Campbell (Wayans) seinen Dienst versieht. Beide werden auf den Fall des "Family Man" angesetzt, einem Serienkiller, der seinen Spitznamen der Tatsache verdankt, dass er stets ganze Familien abschlachtet, indem er ihre Mitglieder kreuzigt. Die Polizei weiß nur eines über ihn: Er ist ein religiöser Fanatiker, denn an den Orten seiner Verbrechen lässt er stets religiöse Graffitis zurück. Der Fall eskaliert, als sich das letzte Opfer des Killers als Coles Ex-Frau herausstellt und Cole fortan als Hauptverdächtiger gilt. Das regt Seagal nun wirklich auf - und einen Steven Seagal sollte man wirklich nicht aufregen (obwohl er in jeder Situation ein wenig Zeit findet, buddhistische Weisheiten zu zitieren - bevor er seinen Gegnern sämtliche Knochen bricht). Die Überraschung des Filmes ist Wayans, der recht glaubwürdig und geradlinig seine Rolle spielt. Ansonsten ist der Film ein typischer Seagal mit den obligatorischen Prügelsequenzen etwa alle zehn Minuten. Seagal-Fans werden dies mögen! -Jeff Shannon.

Jackie Chan und Chris Tucker verschlägt es in dem nicht sonderlich spektakulären aber gelegentlich doch spannenden Rush Hour 3, der zweiten Fortsetzung der Erfolgsreihe von Brett Ratner aus dem Jahre 1998, in die Stadt der Lichter. Chan als Inspektor Lee und Tucker als Detective Carter reisen von Los Angeles nach Paris, als sie eine chinesische Gangsterbande verfolgen. Dort besteht der nicht wirklich freundliche Empfang aus einer brutalen Warnung durch einen französischen Polizisten (Roman Polanski) und den anti-amerikanischen Gefühlen eines Taxifahrers (Yvan Attal), der sich schließlich zu einem wichtigen und lustigen Verbündeten wandelt. Wenn sie sich nicht gerade den Weg aus Räumen voller in den Kampfkünsten bewanderten Gangstern und durchgeknallten Attentätern (Sun Ming Ming) freikämpfen, folgen sie ihrer Spur zu einer schönen Frau (Noemie Lenoird), die einen sprichwörtlich lebenswichtigen Hinweis bei sich trägt. Lee hält außerdem geheime Treffen mit einem Abgeordneten der Vereinten Nationen (Max von Sydow) ab, aber seine persönliche Auseinandersetzung mit einem kriminellen Mastermind (Hiroyuki Sanada) - der eine wichtige Rolle in seinem Leben spielt - stehen im Mittelpunkt des Films. Für den langsam ins Alter kommenden Jackie Chan scheinen bei einigen seiner Stunts die Gesetze der Schwerkraft nach wie vor nicht zu gelten. Aber mittlerweile dauert die Inszenierung dieser Stunts länger als früher, doch der Filmschnitt lässt Chan nach wie vor spritzig erscheinen. Er passt prima zu Rush Hour 3, wohingegen Tucker erneut das freche Endlos-Geplapper und die zweifelhaften Anmachsprüche seines Charakters zur Schau stellt. Bezüglich der Chemie zwischen den beiden Hauptrollen gibt es nicht viel Neues zu entdecken, und obwohl in Rush Hour 3 eine kleine Krise in Bezug auf die gegenseitige Loyalität thematisiert wird, wirkt die allumfassende Beziehung zwischen den beiden schon fast zu selbstverständlich. Doch zum Glück besteht die Hauptsache des Films aus den wilden Kampfszenen, vor allem einer rasanten Auseinandersetzung auf dem Eiffelturm, die gekonnt inszeniert wurde. [+]